„Das Persönliche ist politisch“

Die ausgewählten Arbeiten der Künstlerinnen verknüpfen Zeitgeschehen und Genderfragen und bestätigen die aktuelle Relevanz: Es geht um die Sichtbarkeit von Frauen in der Öffentlichkeit und in der Kunst als Berufsfeld – in den 1960er Jahren ebenso wie heute. Die Partizipation der Frauen am Wirtschaftsaufschwung nach dem Zweiten Weltkrieg, an technischen Innovationen und neuen Materialien sind die Kennzeichen der Female Pop Art.

Gesellschaftspolitischer Protest, der sich kämpferisch und kritisch zeigt und auf ein aktives Leben und eine selbstbestimmte Sexualität hinweist, verbindet sich hier mit einer plakativen Bildsprache. Interessant ist, dass sowohl aus kunstgeschichtlicher als auch aus feministischer Sicht die Pop Art-Künstlerinnen übersehen und gemieden wurden, was einer doppelten Schmähung gleichkommt. Pop Art galt aus feministischer Sicht als sexistisch und wer damit arbeite, müsse sich an der männlich definierten Bildsprache bedienen, so die kritische Meinung vieler zeitgenössischer Feministinnen. Dabei können gerade die Arbeiten von Kogelnik, de Saint Phalle, Axell und Iannone als proto-feministisch verstanden werden. Als Niki de Saint Phalle (1930 – 2002) Mitte der 1950er Jahre beginnt, auf ihre Gipsrelief-Arbeiten mit eingearbeiteten Farbbeuteln zu schießen, stieg auch die öffentliche Aufmerksamkeit an den Inhalten ihrer Arbeiten.

De Saint Phalle schoss „auf Papa, alle Männer, bedeutende Männer, dicke Männer, Männer, meinen Bruder, die Gesellschaft, die Kirche, den Konvent, die Schule, meine Familie, meine Mutter“. Im Akt des Schießens setzte sie ein rebellisches Zeichen gegen die gesellschaftlichen Strukturen, die es ihr als Frau und Künstlerin schwer machten.

Kunstwerke aus Vinyl

Die Kärntnerin Kiki Kogelnik (1935 - 1997) begann in den frühen 1960ern Schablonen, also Umrisse von Menschen, aus Papier auszuschneiden. Diese sogenannten „Hangings“ wurden zu eigenständigen Kunstwerken aus Vinyl, die auf Kleiderständern präsentiert wurden. Das Arbeiten mit der Schere, die sonst eher mit weiblicher Haus- und Handarbeit in Verbindung gebracht wird, kann umgedeutet werden als Waffe gegen das starre Geschlechtersystem. Der Körper ist als Austragungsort von Geschlechterkämpfen zu lesen und die Zurichtung des weiblichen Körpers durch Matrizen in Magazinen, Werbung und Kino steht im Zentrum der kritischen Auseinandersetzung innerhalb der Arbeiten vor allem von Kogelnik, Axell und Iannone. Die aktive Wiederaneignung des weiblichen Körpers ist ein wichtiger Ausgangspunkt in vielen Werken der Künstlerinnen. Die mit erotischen Phantasien aufgeladene Bildsprache ist ein Ausdruck der neuen selbstbestimmten Sexualität und Lebenslust, die nicht nur ein Teil der lebensnotwendigen Selbstermächtigung ist, sondern auch Instrument der öffentlichen Provokation.

So ist auch das Titelbild der Ausstellung zu sehen: Es stammt von Evelyne Axell und zeigt eine rothaarige Frau, die mit geschlossenen Augen sinnlich-genüsslich an einer Kugel Speiseeis leckt. Ähnlich wie in der Werbung wird mit erotischen Phantasien gespielt, ohne die üblichen Klischees zu bestätigen. Christa Dichgans (geboren 1940) entlarvt in ihren Arbeiten den Mythos der Ware als leere Hülle, in dem sie die klassischen Stillleben im Sinne des Kapitalismus parodiert und Dinge des Alltags, wie etwa Kinderspielzeug, abbildet. Trotz der lieblich wirkenden Motive erscheinen die Werke auf den zweiten Blick unterschwellig herausfordernd und anklagend.

Die Architektur der Ausstellung unterstreicht die Verbindung von Leben und Kunst und zeigt, wie Kunst im öffentlichen Raum verstanden werden kann. In der großen Ausstellungshalle befinden sich Litfaßsäulen, an denen die Vorstellung der Künstlerinnen vorgenommen wird. Im Hauptraum sind einige großformatige Exponate in einer Art Schaufenster platziert, damit soll die Situation der Konsumierbarkeit von Kunst im Alltag bewusst gemacht werden.

Stadträtin Sandra Frauenberger freut sich, im Rahmen der Eröffnung und in Anwesenheit der beiden Künstlerinnen Jann Haworth und Christa Dichgans ein paar Worte über die Ausstellung und ihr Aktualität verlieren zu dürfen. Diese Schau trägt dazu bei, dass die weibliche Sprecherinnenposition gestärkt wird. Dabei bedarf es einer lauten und kräftigen Stimme, um die gesellschaftlichen Schranken zu durchbrechen. „Die gesamte Schau ermöglicht die Korrektur eines Gesellschaftsbildes“, so Frauenberger, welches von einer männlich dominierten und definierten Geschlechterkonstruktion geprägt ist. Die Arbeiten der hier präsentierten Künstlerinnen machen Frauen sichtbar und zeigen, was es in den 1960er Jahren bedeutete, als Künstlerin selbstständig und selbstbestimmt zu arbeiten. Diese Frauen sind Heldinnen des Alltags, die Frauen – damals wie heute - als Vorbilder dienen können. Der Titel der Ausstellung, „POWER UP“, ist ein Ermutigender, denn er lässt voller Energie in die Zukunft blicken. Aus frauenpolitischer Sicht gehe es auch heute noch darum, ein Umfeld dafür zu schaffen, dass Frauen in persönlicher Selbstbestimmung und Freiheit leben können. Der Ausstellung als Motto vorangestellt, ist der Titel einer Arbeit von Dorothy Iannone aus dem Jahr 1971 und lautet „The next great moment in History is ours“ – dem ist auch aus Frauenbergers Sicht nichts mehr hinzuzufügen.